Jolly Joker - Jolly Joker

 

Los valencianos Jolly Joker publican su quinto álbum de estudio. A estas alturas poco hay que decir de la banda que no se sepa, y es que en cuestión de pocos años han pasado a ser uno de los estandartes del hard rock en esta país, llegando a tocar en diferentes festivales e incluso traspasar fronteras y haciendo giras por Reino Unido o Estados Unidos, donde tienen ya una base fiel de seguidores.

Su nuevo álbum homónimo sigue la filosofía y el sonido que Jolly Joker llevan enarbolando desde sus principios, encontrando alguna influencia o algún ligero giro en su fórmula, pero siempre manteniendo esa esencia del sleazy y el glam con toques de hard rock de la escuela americana o sueca.

En cuanto a la formación, tenemos a los dos pilares del grupo, Lazy Lane a la voz y Yannick a la guitarra, acompañados por Dani a la batería y Andi al bajo, siendo la misma alineación que grabaron el anterior plástico, Loud & Proud. La portada, más minimalista, es el logo del grupo, pero dentro de su simplicidad funciona y es llamativa. El disco fue grabado en los Elefante Estudios de Valencia por Manuel Tomás, Max Scena y Carlos Gómez.

World Collapse se encarga de inaugurar el disco, siendo un corte directo, rockero y que va directo al grano, muy reconocible para el seguidor de Jolly Joker, con un puente y estribillo adictivos a más no poder, donde la guitarra de Yannick se lleva el protagonismo con sus riffs y pinceladas melódicas coronado por un gran solo, dejando a Lazy brillar en los momentos clave y la sección rítmica cumpliendo en un segundo plano. Un primer tema potente que ya nos deja con ganas de más.

Shotgun se ha convertido en una de mis canciones favoritas del disco en cuanto la escuché en directo en la presentación del disco. Su inicio calmado da paso a una pieza agresiva, macarra y que es puro sleazy americano de los 80. El estribillo es de esos que vas a estar repitiendo en tu cabeza, mientras que las líneas de bajo van creando un colchón para que la guitarra de Yannick vaya deslizándose con elegancia y Dani a la batería deje su marca. Lazy como siempre, sobresaliente a las voces, llegando a agudos estratosféricos combinados con partes más rasgadas o melódicas, un auténtico todoterreno vocal.

También hay tiempo para piezas más melódicas como I Just Wanna Kiss You, siendo una de las canciones más comerciales de la banda, siendo hasta radiofónica, pero en el buen sentido. Más desenfadada y con esas reminiscencias a bandas como Mötley Crüe o Poison, su estribillo azucarado y optimista nos lleva de la mano y nos invita a cantarlo. Lazy se siente como pez en el agua, siendo una canción donde apenas tiene que forzar y canta de manera melódica y suelta. El solo es una pasada y la pegada a la batería es lo que hace que el tema gane algo de gancho. En definitiva el perfecto single y una de esas canciones que son capaces de arrancarte una sonrisa.

What The Hell nos regresa al hard rock más afilado, donde Andi al bajo saca músculo con unas líneas más graves, mientras que la guitarra va repitiendo un riff que es puro rock, siendo en general una canción más oscura donde Jolly Joker pretenden llevarnos a terrenos más duros y peligrosos.

Broken Glass vendría a ser la balada del disco y un tema más personal para la banda, ya que va dedicada a aquellos amigos que han ido perdiendo por el camino y es un homenaje a ellos, algo que en la propia letra se puede apreciar. Guitarras limpias y acústicas dan inicio y Lazy es puro feeling, cantando de manera sentida y viviendo lo que dice. La intensidad va aumentando conforme avanza el tema, llegando a un estribillo muy emotivo. Mención a la sección rítmica, con el bajo marcando de fondo y la batería aumentando la potencia conforme la canción lo demanda. No podía faltar un solo de guitarra intenso y que transmite melancolía. Sin duda una de las canciones más especiales dentro de la discografía de Jolly Joker y que es capaz de poner los pelos de punta.

Llegamos al ecuador del disco con Demons Dance, donde se aprecia en su inicio esas influencias a The Cult que tan bien les sienta a la banda, combinando el rock añejo con partes más oscuras. De nuevo me toca aplaudir el trabajo de Andi y Dani, que hacen una de sus mejores interpretaciones del disco, mientras que Lazy canta con tonalidades más graves y Yannick saca a relucir sus muchos recursos, desde su impresionante solo, a partes en limpio, riffs pesados o melodías atrapantes. De esas canciones que con cada escucha, encuentras nuevos matices.

Con Enough volvemos al sleazy más gamberro, siendo una pieza que rezuma a Guns N' Roses por los cuatro costados y nos devuelven a los Jolly Joker más clásicos, con ese cencerro de fondo, riff de guitarra pesado y adictivo y Lazy volviendo a los agudos rasgados que lo hacen tan reconocible. La letra es rebelde y contestona, devolviéndonos a la banda a sus inicios y que es un regalo para sus seguidores más acérrimos.

Otra de las sorpresas del álbum es My Little Cadillac, con toques blues y esos aires a ZZ Top, siendo un corte diferente, con estilo, vacilón y lleno de ritmo, donde bajo y batería llevan el peso para que la guitarra pueda desatarse y darnos una lección con su solo. Lazy por su parte está en su salsa, dándonos una interpretación sublime. De esas canciones que siendo algo diferentes, convencen al instante.

Sweet Pleasure Pie retorna al sonido más canónico de la banda, otra de esas canciones que son cátedra de cómo hacer sleazy en nuestros días pero con el sabor de los 80 sin sonar a copia. Simplemente cierra los ojos y disfruta de este tremendo tema.

El disco cierra con Sweet Addiction, una carta de amor en forma de rock, donde vuelven los Jolly Joker más desenfadados y ligeros en su faceta musical, con un riff acaramelado y un estribillo pegajoso pero efectivo. Una manera muy acertada de poner punto y final a un disco variado, entretenido y que te pide escucharlo otra vez.

Esta quinta entrega de Jolly Joker es posiblemente su trabajo más arriesgado en lo musical, tirando hacia diferentes ramas del rock pero sonando compacto y siendo un disco que triunfa debido a esa mezcla de influencias. Se nota que la banda sigue teniendo ideas y que no muestran signos de agotamiento, haciendo que sean posiblemente la mejor banda de sleazy y hard rock que tenemos en este país.

Discográfica: On Fire

 

Formación

• Lazy Lane - Voz
• Yannick - Guitarra
• Andi - Bajo
• Dani - Batería

Tracklist

1. World Collapse
2. Shotgun
3. I Just Wanna Kiss You
4. What The Hell
5. Broken Glass
6. Demons Dance
7. Enough
8. My Little Cadillac
9. Sweet Pleasure Pie
10. Sweet Addiction

 

Puntuación: 8.5/10

 

Retador - Earëndel

El thrash metal nacional lleva ya unos cuantos años en alza. Bandas como Angelus Apatrida, Crisix, Injector o Holycide están sorprendiendo con lanzamientos y giras que no hacen más que acrecentar la calidad que hay dentro de este género. Pues ahora hay que sumar otra banda a la lista, los malagueños Retador, quienes ya me sorprendieron con su debut homónimo lanzado en 2022 y que vuelven a volarme la cabeza con su segunda entrega Earëndel.

Retador apuestan por un thrash metal más agresivo y directo, con letras reivindicativas y un sonido que recuerda a Kreator, Sepultura o Sodom. Vamos, que si andas buscando fiereza y desenfreno, aquí tienes una buena dosis que en poco más de media hora en 9 cortes lo dan todo.

El disco ha sido grabado y mezclado en Moontower Studios por Javier Félez y masterizado por Dan Swanö en Unisound Studios de Alemania, mientras que la portada es diseño de Lucretia Morti. La formación se mantiene con Jofre a la guitarra y voz, Migueli al bajo, Juan Jolocaust a la batería y Rolo a la otra guitarra.

El álbum arranca con la propia Earëndel, con un inicio más calmado y atmosférico hasta que se torna en un thrash con tintes progresivos donde las guitarras desatan un punteo atronador con la batería totalmente desatada. Destacar la voz de Jofre, a caballo entre registros rasgados y guturales que en ciertos momentos recuerdan al black metal con sus tonos más agudos. Un tema bastante llamativo donde destaca su parte instrumental.

Somos Eternos ya nos lleva a la vertiente agresiva y más directa de Retador, con unas guitarras cortantes, una base rítmica que ta pasa por encima, letra combativa y en algunos momentos se notan esas reminiscencias del black metal que comentaba en el tema anterior. Por lo demás, thrash metal canónico con momento para que las guitarras se doblen en un pasaje instrumental muy poderoso hacia mitad de la canción y a mi parecer una de las mejores piezas del disco.

La sombra de tu Existir inicia con una batería imparable acompañada de gruesas líneas de bajo, viendo el enorme trabajo de Migueli y Juan Jolocaust. Es aquí donde Jofre canta más agresivo que nunca, recordando a Mile Petrozza de Kreator, algo que se nota también en lo instrumental. Desde luego la versatilidad del vocalista es pasmosa. Otro gran corte que muestra que Retador saben cómo conjugar bien sus influencias musicales.

Redes es un ataque a las redes sociales y su influencia negativa en la sociedad, siendo un tema más espídico, donde quiero volver a destacar la labor de Juan Jolocaust tras los parches. El estribillo invita a unirte a cantarlo y hay un cambio de ritmo que tira hacia lo melódico que es intercalado con un excelente solo de guitarra. Gran canción que también es de las que más han llamado mi atención.

Lux Ferre fue elegido como single de promoción y no me extraña ya que lo tiene todo, una letra muy cruda y directa, riffs asesinos, sección rítmica más comedida pero sin perder potencia y un estribillo que en directo puede ser entonado por el público, hasta tiene un momento que está hecho para dejarse la cabeza en un headbanging intenso.

Asesino ya adelanta con su título que se nos viene encima un corte intenso, que desde el primer segundo no da tregua y se lanza directo a la yugular. Guitarras que recuerdan a los Sepultura clásicos, Jofre desgañitándose a placer, otro estribillo potente y una parte calmada que cambia la atmósfera durante unos segundos para añadir tensión y ser coronado por otro gran solo de guitarra.

Profanado y su inicio denso y pegajoso da paso de nuevo a ese thrash metal intenso, donde las líneas de bajo crean un colchón sonoro muy logrado, mientras batería y guitarras van arrasando con todo a su paso. La letra combativa acompaña de maravilla a la música la cual va repartiendo riffs y solos de guitarra tremendamente efectivos.

Terror en la Noche me maravilla con su inicio oscuro y envuelto en un halo de misterio para después dar paso a un thrash heredero de bandas como Megadeth o los ya mencionados Kreator. Su letra parece abordar el mito de la Santa Compaña mientras que en lo instrumental encontramos unos riffs de la escuela clásica y una vez más esa combinación de batería y bajo que logran dar el empaque necesario a la canción, adornada por solos y la gran interpretación vocal de Jofre.

Para rematar está Abismo 52 (Outro) que sirve de cierre directamente enlazada con la pieza anterior y crear esa atmósfera de terror y tensión que tan bien sienta para dejarnos con sensación de vacío.

En resumen Earëndel es la prueba irrefutable de que Retador han venido para hacerse un hueco en la primera línea del thrash metal nacional. Ya con el anterior trabajo iban avisando, pero ahora ya dan un fuerte golpe en la mesa y recomiendo su escucha porque seguro que dentro de nada nos darán más sorpresas. Tiempo al tiempo.

Discográfica: Xtreem Music

 

Formación

• Jofre - Voz, guitarra
• Rolo - Guitarra
• Migueli - Bajo
• Juan Jolocaust - Batería

Tracklist

1. Earëndel
2. Somos Eternos
3. La Sombra De Tu Existir
4. Redes
5. Lux Ferre
6. Asesino
7. Profanado
8. Terror En La Noche
9. Abismo 52 (Outro)

Puntuación: 8.5/10

 

Crimson Storm - Livin' on the Bad Side

Ya tenemos ante nosotros el debut de Crimson Storm, esta formación italo-española formada por músicos conocidos dentro de la escena underground. La banda se formó en 2009 por el guitarrista Lögan Heads, el cual terminó recalando en España, formando parte de los catalanes Löanshark y completando la formación con Pau Correas (Redshark) a las voces, Aless Opposed (Löanshark) al bajo y Pol Esteban (No Amnesty) a la batería.

Tras varios EP's y singles publicados, por fin dan el gran paso y publican Livin' on the Bad Side auspiciados por Fighter Records. Musicalmente vamos a encontrar un sonido que mezcla el heavy metal clásico con el speed metal y toques US power metal, recordando a formaciones como Enforcer, Riot o Running Wild.

Su propuesta, sin ser novedosa, es muy atrapante, y en apenas media hora nos disparan 9 cortes donde no va a faltar la velocidad, riffs afilados y unas reminiscencias al heavy metal de los años 80. Con todo esto sobre la mesa, vamos a ver las canciones.

El álbum abre con la intro Night of the Tyrant, muy solemne y épica que nos va metiendo en situación para darnos de lleno con Raging Eyes of Darkness, que inicia con un riff clásico y canónico del estilo, apoyado por un bajo bien marcado y la potente batería, dando la entrada a la voz de Pau, que quien lo conozca por su trabajo en Redshark ya sabe lo que va a encontrar, una voz rasgada y aguda que pega muy bien con el estilo. El estribillo es muy adictivo y aquí tanto la guitarra como el bajo son los que se llevan toda mi atención en una primera canción que consigue meterme en su propuesta.

Una sirena anti aérea sirve para introducir Outrageous, frenética y donde la labor de Pol a la batería es genial, mientras que Lögan va desatando riffs a diestro y siniestro. También es destacable la actuación de Pau, quien logra trasmitir rabia y potencia con sus cuerdas vocales. Abuse of Power tiene esas raíces del heavy metal más clásico, con las líneas de bajo sacando músculo y una guitarra que lleva el timón de la composición. Aquí son los coros y el cambio de ritmo hacia mitad de la canción lo que logran que el tema tenga ese punto que lo hace especial, a lo que hay que sumarle un gran solo de guitarra.

Nightmare Deceiver da un giro de tuerca al sonido de Crimson Storm, llevándolos hacia derroteros más cercanos al hard rock, rompiendo con la dinámica pero que tampoco les queda mal, siendo una pieza más comedida, con apoyo coral más festivo y un estribillo hecho para ser entonado en directo. Una canción que sirve de paréntesis para aportar algo de dinamismo y diversión.

Para volver a meternos de nuevo en el frenesí desmedido tenemos Speed Hammerin' Metal, el tema más corto (sin contar la intro) que va directa al cuello y que nos golpea a través de riffs, la base rítmica totalmente demoledora y la voz implacable para hacernos volar la cabeza y rompernos las vértebras. Directa y simple, demostrando que a veces basta con poco para dar en el clavo.

Harakiri Rendez Vous engaña con su inicio con guitarras limpias y ese toque blues para después ofrecernos un corte al que le encuentro influencias de la NWOBHM y a bandas como Tokyo Blade o Tygers of Pan Tang, mostrando una vez más la versatilidad de Crimson Storm. Aquí la guitarra de Lögan vuelve a ser la protagonista junto a un Pau que alcanza registros elevados pero sin perder su rasgado típico.

Headfukker retorna a ese speed metal gamberro y sin concesiones, donde los coros y el estribillo son el puto fuerte, pero sin dejar de lado la fiereza del resto de instrumentos que van dispuestos a pasarnos por encima y otro solo de guitarra remarcable.

La última sorpresa llega con Seven Days of Mayhem, que pese a su título, está cantada en castellano, dando otro toque distintivo y que no les queda mal. Una forma muy buena de cerrar el álbum.

El debut de Crimson Storm sirve para que la banda una todas sus influencias musicales, dando como resultado un disco muy digno que logra llamar la atención y donde en media hora disparan todo su arsenal. Si vas buscando el sonido clásico dentro del género, este trabajo seguro que es de tu agrado.

Discográfica: Fighter Records

 

Formación

• Pau Correas - Voz
• Lögan Heads - Guitarra
• Aless Oppossed - Bajo
• Pol Esteban - Batería

Tracklist

1. Night of the Tyrant
2. Ragin' Eyes of Darkness
3. Outrageous
4. Abuse of Power
5. Nightmare Deceiver
6. Speed Hammerin' Metal
7. Harakiri Rendez-vous
8. Headfükker
9. Seven Days of Mayhem

 

Puntuación: 7.5/10

The Halo Effect - March of the Unheard

Una de las mayores sorpresas de los últimos años dentro de este mundillo fue la formación de The Halo Effect, banda creada por los ex In Flames Niclas Engelin, Peter Iwers, Jesper Strömblad y Daniel Svensson junto al vocalista de Dark Tranquility Mikael Stanne, donde pretendían volver a sus raíces y recuperar ese death metal melódico más primigenio del que fueron partícipes en los años 90 y donde se les acuñó la etiqueta de "sonido de Göteborg"

Así en 2022 publicaron el debut Days of the Lost, cosechando muy buenas críticas entre público y medios especializados y pasando a ser una de las bandas de death metal melódico más populares e incluso, para muchos, recuperando esa esencia que los actuales In Flames parecen haber ido abandonando con cada entrega discográfica.

Sin entrar en comparaciones, a mí esta propuesta me convenció desde un principio, así que esta segunda entrega se esperaba con ganas y tras varias escuchas, puedo decir que este March of the Unheard es una continuación lógica del debut, manteniendo la misma fórmula sin cambiar prácticamente nada, ya que si funcionó, lo lógico es seguir esa senda.

Entrando ya en materia, el disco abre con Conspire to Deceive, donde el protagonismo de las guitarras de Niclas y Jesper va a ser una constante en todo el trabajo, dibujando esas melodías atmosféricas y en ocasiones oscuras y con Mikael como siempre eficaz e infalible a las voces. Un primer adelanto que ya logra atraparnos.

Detonate rápidamente nos hace regresar a esos años dorados del death metal melódico con una pieza acelerada y con unas melodías muy logradas, más cañera y pesada que desde luego es uno de los platos fuertes del álbum, siendo una de esas canciones que no te quitas de la cabeza, donde la banda saca músculo y se muestra la capacidad de estos miembros que se nota que disfrutan componiendo y que se conocen a la perfección.

Our Chanel to the Darkness cuenta con unas guitarras acústicas iniciales que rápidamente son arrolladas por el doble bombo de Daniel y dando paso a un corte rápido y agresivo que se torna más melódico en el estribillo. A destacar esas guitarras dobles en los momentos clave y a un Mikael que está soberbio a la voz además del ya mencionado trabajo de batería.

Por su parte Cruel Perception apuesta al cien por cien por la melodía, dando más cabida a los teclados y donde la melodía principal es toda una delicia, combinando melancolía con oscuridad. Eso se rompe con What We Become, más cruda y directa, death metal melódico en su máxima expresión, donde los teclados de fondo en el estribillo logran darle más empaque al tema y las guitarras vuelven a darnos un amplio registro de melodías. Desde luego The Halo Effect son unos maestros del género y logran darnos canciones diferentes dentro de un mismo estilo en un mismo trabajo.

This Curse of Silence sirve a modo de preludio, con unos coros muy épicos y atmosféricos con sintetizadores de fondo para dar paso al tema que da título al disco, que es a la vez otro de los mejores cortes de este trabajo, con esas melodías pegadizas y melancólicas, pero donde se muestra una ligera evolución en el sonido de The Halo Effect, que aunque miran hacia sus inicios, tampoco buscan ser una copia de ellos mismos.

Forever Astray cuenta por primera vez con voces limpias en el disco, que ya exploraron en el anterior, mostrando esa variedad de registros del gran Mikael Stanne. Quizás es una canción más cercana al sonido actual de Dark Tranquility pero que igualmente encaja muy bien en este álbum, donde volvemos a disfrutar de ese dúo de guitarras creado por Niclas y Jespe.

Between Directions sorprende por la inclusión de violines y ligera orquestación a la fórmula, dándole más peso al dramatismo y a la intensidad del corte que le sienta muy bien al sonido de la banda. De nuevo encontramos voces limpias que ayudan a enfatizar esa teatralidad. La pieza más experimental pero a la vez una de mis favoritas de este segundo disco.

A Death That Become Us vuelve a terrenos conocidos, ese melodeath más canónico pero en esta ocasión más denso en las guitaras. Quizás a estas alturas del disco ya empieza a flojear pero sigue siendo un tema muy sólido. Por el contrario, The Burning Point tira hacia derroteros más cañeros y contundentes donde la sección rítmica se encarga de aportar esa dureza.

El disco cierra con la instrumental Coda, la cual repite el recurso de la orquestación y haciendo un guiño a This Curse of Silence en su melodía, acompañada por guitarras acústicas. Un final más relajado que sirve de broche de oro para un álbum que cumple con nota.

March of the Undead es la confirmación de que The Halo Effect es una banda que viene dispuesta a reivindicar su puesto dentro del death metal melódico. Un trabajo sólido y maduro que no inventa nada, pero que es un ejercicio de nostalgia y de buen hacer por parte de integrantes que inventaron el género y que por tanto, están en todo su derecho de explotar la fórmula que ellos mismos crearon. Un disco imprescindible si eres seguidor de este movimiento.

Discográfica: Nuclear Blast

 

Formación

• Mikael Stanne - Voz
• Niclas Engelin - Guitarra
• Jesper Strömblad - Guitarra
• Peter Iwers - Bajo
• Daniel Svensson - Batería

Tracklist

1. Conspire to Deceive
2. Detonate
3. Our Channel to the Darkness
4. Cruel Perception
5. What We Become
6. This Curse of Silence
7. March of the Unheard
8. Forever Astray
9. Between Directions
10. A Death That Becomes Us
11. The Burning Point
12. Coda

 

Puntuación: 8/10

 

Inverted Cross - Eternal Flames of Hell

Inverted Cross irrumpen en la escena underground con su debut Eternal Flames of Hell. Esta banda catalana se formó en 2017, lanzando desde entonces dos demos y splits mostrando su black/speed metal con influencias de bandas como Venom, Hellhammer o Hellripper.

Pese a la juventud de la banda, sus miembros vienen curtidos de tocar en otras formaciones, contando en sus filas con Philip Graves a la guitarra y segunda voz y con Chris Carrest a la batería, ambos militantes en Redshark, completando la formación Guille Hungover (quien ha tocado en directo con Redshark) a la voz y bajo y Alis Demonized que se incorporó a la banda en 2021.

Encontramos una llamativa portada, creada por el artista italiano Velio Josto quien ha creado portadas para bandas como Enforcer o Cobra Spell y donde el mismísimo Satanás nos señala amenazante en una portada que refleja perfectamente el sonido e intenciones de Inverted Cross.

Es March of the Fallen la que nos da la bienvenida al disco con su atmósfera apocalíptica e infernal, con ese órgano de misa satánica y campanas que nos adelantan el holocausto sonoro que vamos a presenciar. Attack With Hellfire irrumpe con su frenético riff de guitarra, al que le acompaña un bajo crujiente y batería desenfrenada, donde la voz profunda de ultratumba corona un primer envite convincente, donde se dejan bien claras las influencias de este cuarteto, que beben del black y el speed más primigenio y monolítico, directo y sin adornos, que hará las delicias de los seguidores de la vertiente más clásica de ambos géneros.

Under an Evil Presence tiene un inicio más denso y cercano al doom metal que rápidamente se cambia por velocidad y rabia donde destacan las líneas de bajo y las vocales a la vez que las guitarras van vomitando riffs pegadizos.

Invoke the Goat mantiene esa intensidad brindándonos una pieza que te pasa por encima con su muro sonoro, donde la sección rítmica se muestra más compacta y potente y la voz de Guille Hungover, más gamberra, está apoyada en los coros por la de Philip Graves, dando como resultado una combinación que funciona muy bien.

Into the Crypt of the Necromancer es mi corte favorito del disco, iniciando de manera más solemne, recordando a los Venom de sus primeros trabajos, con ritmos pesados y más pausados. No es hasta la recta final de la canción cuando cambian totalmente con un giro inesperado hacia ese speed metal endiablado con uno de los mejores solos de guitarra del álbum y con un final que se va ralentizando. Una pieza sublime que sabe trasmitir ese black/speed de manera sensacional.

Suffer to Live me ha recordado en su estribillo a los Sodom en su etapa black metal y al EP In the Sign of Evil, teniendo más paralelismos con el thrash también y siendo otra de mis piezas favoritas de un disco que cada canción presenta algún matiz e influencias de las que Inverted Cross se nota que han ido absorbiendo y tomando como referencia para crear su sonido.

Black Leather Hordes nos vuelve a mostrar ese bajo machacón, un riff del speed metal más old school y esa mezcla de voces entre Guille y Philip que nos invita a mover la cabeza a un ritmo endiablado y de ambiente más festivo, metiendo entre medias una clara influencia del black metal noruego que aumenta la intensidad.

Es por su parte Trapped Underground la canción que muestra más esa inclinación hacia el black metal con un inicio blasfemo y oscuro y que se nota también en las aportaciones vocales de Chris, con agudos más típicos del género, mientras tenemos unas guitarras más graves y cortantes, estando posiblemente ante el tema más variado del disco.

Cierran con la propia Eternal Flames of Hell donde vuelven al principio del álbum y nos dejan ese speed/black más clásico y desenfrenado que sirve para dar los últimos cabezazos y terminar de rematarnos. Esa parte donde dejan al bajo y batería a solas por unos segundos para después desatar el solo de guitarra es simplemente brutalidad sonora.

En resumidas cuentas Inverted Cross en poco menos de media hora nos muestran un debut interesante, brutal y adictivo que sin inventar ni revolucionar nada de lo hecho anteriormente en el estilo, consigue darnos un álbum que funciona y que muestra el potencial de una banda que pese a llevar relativamente poco en activo, vienen con las ideas claras de lo que quieren hacer. Si buscas black/speed metal old school este trabajo es de escucha obligada.

Discográfica: Hellprod Records

 

Formación

• Guille Hungover - Bajo, voz
• Philip Graves - Guitarra, voz
• Alis Demonized - Guitarra
• Chris Carrest - Batería

Tracklist

1. March of the Fallen
2. Attack with Hellfire
3. Under an Evil Presence
4. Invoke the Goat
5. Into the Crypt of the Necromancer
6. Suffer to Live
7. Black Leather Hordes
8. Trapped Underground
9. Eternal Flames of Hell

 

Puntuación: 8/10

Injector - Endless Scorn

Llega a nuestras manos el esperado cuarto trabajo de Injector, banda afincada en Cartagena quienes vienen a demostrar que están en un gran momento en su carrera y que el thrash metal sigue igual de agresivo y vigente que antaño. Tras tres discos muy notables, la banda poco a poco ha ido haciéndose un hueco en el panorama underground y hasta los hemos visto figurar en carteles de algunos de los festivales más prestigiosos del país, prueba de que su trabajo recibe la recompensa que se merecía.

Para esta cuarta entrega Injector han contado con su nuevo miembro, Juanjo Beast a la batería mientras que el resto de la formación se mantiene, con Mafy al bajo y voz, Dani MVN a la guitarra y voz y Danny B a la guitarra. El álbum ha sido grabado en MNV Estudios y mezclado y masterizado en Moontower Studios, mientras que la producción ha corrido por parte de la misma banda. A destacar su impresionante portada, que fue lo primero que vi del disco y que es una maravilla, obra de Enrique García Morales. De esas portadas que te gustaría tener en camiseta.

En cuanto a las canciones, los que hayan seguido la trayectoria de la banda ya saben lo que les espera, un thrash metal donde se mezcla lo técnico con lo agresivo y melódico, dándonos un total de 10 cortes que van a sacar a relucir lo mejor de Injector.

La intro Engelante nos va metiendo en la atmósfera tensa y siniestra para dar paso a Path of the Wrathgod, pura velocidad y thrash metal desenfrenado, donde destacan ese bajo con toques groove y la presentación de Juanjo a la batería que hace un trabajo demoledor, encajando perfectamente con el sonido de Injector. Especial atención a los solos de guitarra y a su potente estribillo.

Warning Blast es más densa respecto a la anterior, pero manteniendo esos ritmos frenéticos, con esa sección rítmica aplastante, unas voces muy rasgadas que logran transmitir perfectamente esa rabia, y unas guitarras que noto más técnicas, con ese cambio de intensidad hacia mitad de tema que pasan de distorsión a limpio y después un solo de guitarra que es de lo mejor de todo el álbum, recordándome a formaciones como Havok.

Resetting Time inicia con la guitarra marcando el ritmo, uniéndose batería y bajo y ofreciendo una pieza donde cabe resaltar las líneas de bajo de Mafy y el estribillo que por momentos me ha recordado a los primeros años de Angelus Apatrida. Una de esas canciones que con más escuchas le das, más gusta, llena de matices y con un trabajo de los instrumentos espectacular.

The Executioner's Song es posiblemente una de las canciones con más variedad dentro del disco. Su duración le permite adentrarse en momentos melódicos, otros más pesados y machacones, unas voces graves a lo Phil Anselmo que se mezclan con otras más claras y melódicas, sección rítmica que va haciendo cambios de ritmo, una atmósfera cambiante pero siempre dentro de un ambiente oscuro... fácilmente la mejor canción del disco donde se demuestra la versatilidad compositiva de Injector y que hace que este disco gane muchos puntos.

Pero si ibas echando de menos la caña, Never Enter the Core vuelve a subir las revoluciones en un corte más cercano al speed metal, con gran trabajo de los coros, unas guitarras más machaconas, bajo con unas líneas gruesas y pesadas, la batería haciendo un gran trabajo a los platillos y bombo y un curioso cambio de intensidad hacia mitad de la canción que desemboca en uno de los mejores solos de guitarra del disco.

Crawling One tiene esas vibras a Testament en las melodías y riffs de guitarra, mientras que su estribillo me parece más cercano a Pantera, con esos coros y riff más entrecortado. Una interesante mezcla que hace de esta pieza una de las más directas del álbum y que logra atraparte desde el primer momento.

Es en Drag Me to the Void cuando retornan a su vertiente más melódica y experimental, con su inicio con guitarras limpias, un solo bastante inmersivo y cambios de ritmo bastante acertados y bien ejecutados y las voces que logran pasar de tonalidades melódicas a agresivas con pasmosa facilidad.

La instrumental The End of Eternity sirve para desconectar y darnos un corte que comienza de manera calmada y melódica para romper en un estallido de velocidad y técnica, rozando el progresivo, donde las guitarras se llevan el total protagonismo, jugando con los solos, riffs y melodías y dejando de fondo al bajo y batería creando un potente muro sonoro. Una auténtica maravilla sonora que te permite cerrar los ojos y dejarte llevar.

Finalizan con Mindcrusher, canción más tradicional dentro del thrash metal donde no va a faltar la rapidez, rabia, un estribillo muy logrado y esos coros que ayudan a darle cierto punch a una canción ideal para despedirse con un álbum al que no se le puede sacar ninguna pega.

Injector siguen creciendo y este Endless Scorn me parece lo mejor de su carrera (sin desmerecer sus trabajos anteriores, por supuesto) donde el thrash metal más puro se mezcla con composiciones trabajadas y técnicas, con unos músicos que se nota que conocen sus instrumentos y los explotan lo mejor que saben. Uno de los mejores álbumes de thrash metal del 2024 que aunque ha llegado en el último momento, ha sabido destacar. Espero que el público piense lo mismo y dentro de poco tengamos a Injector paseándose por Europa y demostrando una vez más que el thrash metal español está dentro de la élite mundial.

Discográfica: Art Gates Records

 

Formación

• Dani MVN - Guitarra, voz
• Danny B - Guitarra
• Mafy - Bajo, voz
• Juanjo Beast - Batería 

Tracklist

1. Engelante
2. Path of the Wrathgod
3. Warning Blast
4. Resetting Time
5. The Executioner’s Song
6. Never Enter the Core
7. Crawling One
8. Drag Me to the Void
9. The End of Eternity
10. Mindcrusher

 

Puntuación: 9/10

War Dogs - Only the Stars Are Left

Por fin llega el para muchos esperadísimo segundo trabajo de los ilicitanos War Dogs. Esta banda sorprendió en el circuito underground con sus directos y el debut Die By My Sword de 2020 los puso como una de las formaciones más a tener en cuenta dentro de su estilo. Ahora, tras 4 años de espera, la banda vuelve con más experiencia y nos trae su segundo álbum Only the Stars Are Left, de nuevo bajo el sello Fighter Records.

Para aquellas personas que no conozcan a War Dogs, estamos ante una joven formación que saben conjugar de manera muy hábil el heavy metal clásico con el speed metal añejo e impregnarlo con momentos épicos y solemnes, recordando a bandas como Visigoth o Manilla Road, destacando su calidad musical y su facilidad para crear melodías que logran transportarnos a sus letras.

Para este nuevo disco, han contado a la mezcla y masterización con Kyle McNeill (Seven Sisters, Phantom Spell) quien ha hecho un excelente trabajo y ha hecho justicia con el sonido de la banda.

Este segundo trabajo supone una mejora en todo lo que nos ofrecieron en el debut, siendo más maduro, complejo y añadiendo nuevas influencias, desde el power metal americano y europeo a elementos progresivos, dejando claro que en estos 4 años de diferencia entre ambos discos, War Dogs han sabido pulir y mejorar su fórmula.

La introductoria The Hour of Fate, con guitarras acústicas, nos ayuda a ponernos en situación para darnos paso a The Prosecution, donde el riff inicial ya nos recuerda a Visigoth y ese heavy metal más solemne y épico. La voz de Alberto, melódica y cálida, es ideal para guiarnos y acompañarnos durante las canciones, mientras que las guitarras cabalgan añadiendo más epicidad a la composición, que se acentúa con los coros y ese estribillo potente. Una primera toma de contacto más que sorprendente.

Riders of the Storm apuesta por la velocidad, dándonos un corte más cercano al speed metal, donde la batería de José V. Aldeguer destaca por su pegada y técnica. No van a faltar las guitarras galopando, teniendo cierta influencia en el power metal europeo. El estribillo es muy eficaz y las guitarras tienen su momento para brillar, destacando el solo de Eduardo, quien nos va a estar demostrando durante todo el álbum que es un grande a las 6 cuerdas, realizando solos muy técnicos.

Llegamos a la que es una trilogía conceptual en lo que a letras se refiere. Para este disco War Dogs han basado la mayoría de sus letras en la mitología cristiana, llegando a este conjunto que empieza con Heaven's Judgement, con un inicio oscuro y lento, muy atmosférico donde Alberto nos va metiendo de lleno en la historia, para después dar paso a una parte acelerada, con unas guitarras afiladas y la base rítmica contundente. Volvemos a encontrarnos otro solo de guitarra apoteósico y momentos con voces dobladas que ayudan a incrementar la intensidad de la letra.

Astral Queen es una de mis piezas favoritas del álbum, más directa y veloz, con esas influencias del power metal alemán, con melodías atrapantes y un estribillo ganador, donde tampoco faltan elementos progresivos y de nuevo una batería simplemente arrolladora. Me recuerda a Visigoth, pero también a los primeros Helloween. Seguramente el corte que le recomendaría a alguien que no ha escuchado nunca a War Dogs y con el que quisiera que los conociera.

Fallen Angel baja las revoluciones para ofrecernos un tema más machacón, donde la batería va marcando el ritmo con cada pegada, acompañada por un riff simple pero pegadizo mientras que Alberto a la voz hace una de sus mejores interpretaciones, volviéndose en algunos momentos más teatral y sentido. No va a faltar un grandioso solo por parte de Eduardo en un gran corte que cierra la primera parte del disco.

La cara B inicia con Vendetta, una de esas canciones que resume bien el sonido de War Dogs. Tenemos partes épicas en sus melodías y estribillo, velocidad, partes más heavys, sección rítmica poderosa, voz que logra transmitir la rabia del protagonista de la letra... otra de esas canciones que son ya un himno de los ilicitanos y cuyo estribillo se va a cantar a pleno pulmón en sus conciertos. Otra de las grandes canciones que encierra este disco.

Llegamos al corte que da título al disco, que abre de forma solemne, con la voz de Alberto cantando de forma casi ritual y que va subiendo en su intensidad hasta dar forma a una canción muy melódica y marcial, donde destaco nuevamente la labor de la batería, el estribillo épico y el trabajo de las guitarras creando melodías muy intensas hacia mitad de la canción.

The Seven Seal, inspirada en la película de Ingmar Bergman, es un retorno a la velocidad y a ese heavy metal más melódico y denso. Quiero volver a resaltar el tremendo trabajo de José a la batería (menudo máquina) y que pese a ser el tema de menor duración, su intensidad es abrumadora.

Llegamos al final con The Vengeance of Ryosuke Taiwara, la canción más épica y trabajada del disco, que cuenta con una mayor duración pero que no puedo dejar de escuchar. Todo aquí está perfecto, desde la intro y el final perfectamente narrado, las guitarras afiladas como katanas que van dándonos riffs y melodías muy eficientes, bajo y batería completamente contundentes, la voz que nos va contando la historia de forma muy teatral, los coros épicos y ese momento ambiental con el solo de Eduardo dominando la canción... simplemente este corte es pura epicidad y que cualquier fanático del heavy metal o del Japón feudal van a disfrutar muchísimo. Una forma excelente de cerrar un álbum impresionante.

El segundo trabajo de War Dogs mejora lo que ya nos ofrecieron 4 años atrás, siendo un disco más maduro, mejor producido, con canciones más trabajadas y con una banda que ha sabido dar en el clavo con su sonido. los seguidores del heavy metal épico tenemos un serio candidato a álbum del año del género.

Discográfica: Fighter Records

 

Formación

• Alberto Rodríguez - Voz, guitarra
• Eduardo Antón - Guitarra
• Manuel Molina - Bajo
• José V. aldeguer - Batería

Tracklist

1. The Hour of Fate
2. The Prosecution
3. Riders of the Storm
4. Heaven’s Judgement
5. Astral Queen
6. Fallen Angel
7. Vendetta
8. Only the Stars Are Left
9. The Seventh Seal
10. The Vengeance of Ryosuke Taiwara

 

Puntuación: 9/10

 

Grand Magus - Sunraven

 

Por fin, tras 5 años de ausencia discográfica, vuelven a la palestra los suecos Grand Magus. Este power trío llevan desde principios de los 2000 ofreciendo álbumes que encierran una calidad innegable y manejando con maestría elementos del doom metal, el stoner y el heavy metal más épico y monolítico, siendo esta última vertiente por la que llevan optando desde sus últimos trabajos pero dejando las anteriores presentes en ciertos momentos.

En 2019 publicaron Wolf God, un disco que sin ser malo, pasó un poco sin pena ni gloria, pero con Sunraven están dispuestos a redimirse, dándonos un álbum conceptual basado en el épico poema de Beowulf, por lo que la premisa ya promete. Así pues, vamos a encontrarnos un total de 9 canciones donde en apenas 35 minutos la banda despliega todos sus recursos y potencial. Un trabajo que se escucha rápido, sin pararse en canciones enrevesadas o pomposas, heavy metal que va directo al grano.

Así pues en Sunraven va a predominar ese heavy metal de tinte épico, dejando en segundo plano al doom. Si es cierto que siempre he sido más seguidor de la etapa donde Grand Magus tiraban más hacia composiciones lentas y densas, con discazos como Iron Will, Hammer of the North o The Hunt, su décimo álbum logra satisfacer mis ganas de material nuevo.

La portada es obra de Anthony Roberts, quien ya trabajó con la banda realizando las portadas de sus 3 anteriores trabajos y nos da una acorde al sonido y temática de la formación sueca.

Pasando a las canciones, Skybound nos presenta un heavy metal muy clásico al estilo que Grand Magus nos tienen acostumbrados, con una sección rítmica densa, riffs contundentes y la voz de JB Christoffersson que se mantiene inalterable a pesar de los años, muy reconocible y más que cumplidora, siendo un inicio prometedor y que deja con una buena primera impresión.

The Wheel of Pain se torna más pesada y baja revoluciones, siendo una genial mezcla de épica con esos toques de doom metal que por suerte no abandonan. Aquí el bajo nos da unas líneas más gruesas para ofrecer un muro sonoro inexpugnable. Sí que es cierto que el tema puede pecar de ser algo predecible, pero Grand Magus llevan haciendo esto desde más de dos décadas y al final repetir ciertos patrones es hasta cierto punto comprensible.

Sunraven es épica a más no poder, con guitarras galopantes, JB entonando unos registros ligeramente más agudos, riffs y melodías pegadizas (de hecho, el riff principal me recuerda a los Amon Amarth más actuales), además de un más que notable solo y una batería cuya pegada es más dinámica. No va a faltar ese bajo musculoso por parte de Fox Skinner. En líneas generales, el corte insignia de Sunraven, más accesible y pegadizo.

WinterStorms se ha convertido en mi pieza favorita desde que la escuché por primera vez. Inicio atmosférico, guitarra arrastrando el riff, un bajo crujiente y la batería marcando territorio. Ahora sí, regresan los Grand Magus más doom, recordándome a sus discos más notables. El estribillo es oscuro a la par que épico y se puede respirar esa magia que la banda sabe conjurar cuando se inspiran bien.

The Black Lake mantiene esa oscuridad con su intro de bajo y JB entonando de manera más grave y teatral. El riff principal es puro Black Sabbath, posiblemente el mejor riff de todo el disco. El solo también me parece una auténtica gozada, con JB demostrando que además de cantar, sabe dominar las 6 cuerdas. El doom metal sigue presente y de una manera espectacular. Junto al anterior corte, los dos mejores temas de Sunraven.

Regresamos al heavy metal más épico con Hour of the Wolf, con ese riff de la escuela de Judas Priest (alguien ha dicho The Electric Eye?) acelerando el tempo y dándonos unas melodías ideales para ser coreadas, si hasta dan ganas de empuñar una espada. Mención a su solo de guitarra y a los coros que nos invitan a unirnos a la batalla. Si íbais bucando épica y solemnidad, la habéis encontrado.

Grendel es directa y más básica en su contenido, donde el protagonismo se centra en el estribillo, de esos que se quedan grabados fácilmente, siendo una canción corta pero efectiva, un heavy metal más canónico disfrutable.

Volvemos a encontrar algo de repetición en To Heorot, siendo esa canción de Grand Magus que ya has escuchado antes en otros discos, pero no por ello deja de ser interesante, donde la batería de Ludwig Witt destaca, pudiendo lucirse más. No va a faltar esa melodía de guitarra que lleva la batuta y la ya siempre presente pesadez sonora.

Para terminar, The End Belongs to You, que arranca con la batería desatada, a la que le sigue una guitarra y bajo ultra densos, estribillo bastante directo y simple y esa acertada mezcla de pesadez y agresividad que logra cerrar el álbum de manera más que digna. Ojo a los solos de batería y guitarra que merecen su escucha de manera detenida.

Sunraven es, en líneas generales, el mejor trabajo de Grand Magus en más de una década, pudiendo medirse cara a cara con sus grandes títulos y donde recuperan esa esencia que los hizo tan grandes. De obligada escucha para todo seguidor de la banda sueca y para los amantes del heavy metal más denso. Ahora, sólo pido por favor, que hagan una gira y pasen por todas las salas y festivales posibles, que parece que los promotores los tienen algo olvidados y es una banda que merece más reconocimiento. Crucemos los dedos.

Discográfica: Nuclear Blast

 

Formación

• JB - Voz, guirarra
• Fox - Bajo
• Ludwig - Batería

Tracklist

1. Skybound
2. The Wheel of Pain
3. Sunraven
4. Winter Storms
5. The Black Lake
6. Hour of the Wolf
7. Grendel
8. To Heorot
9. The End Belongs to You

 

Puntuación: 8,25/10

Unto Others - Never, Neverland

El pasado mes de septiembre vio las luz el tercer trabajo de los norteamericanos Unto Others, banda que desde su debut Mana en 2021 se han convertido en una de las bandas revelación dentro del circuito underground gracias a su ingeniosa mezcla de rock gótico y heavy metal.

Ese cóctel tan bien agitado parece ser la fórmula de su éxito, el cual crece con cada entrega. Si el segundo álbum Strenght fue la consolidación, ahora con Never, Neverland terminan de despegar, dándonos su disco más ecléctico pero a la vez el más completo de su carrera.

Los que ya conozcan de anterioridad a la banda ya saben lo que les espera: pasajes instrumentales atmosféricos, guitarras melancólicas, riffs potentes y la peculiar voz de Gabriel Franco que es capaz de transmitir toda esa magia que les envuelve. Para quien sea su primera vez con Unto Others, van a encontrar similitudes o referencias a bandas como Danzig, Type O Negative o Summerlands.

En este álbum encontramos un total de 16 cortes (17 si se escucha la edición deluxe) donde se incluyen pequeñas introducciones, por lo que pese al número de canciones, el disco se escucha con bastante fluidez y sin resultar empalagante.

Todo inicia con Butterfly, que en su día ya fue el single, con esos tintes melódicos y melancólicos es todo un homenaje a ese rock gótico de los 80 y 90, con gran presencia del bajo, guitarras que van combinando lo melódico con potencia, una buena pegada a la batería y la voz de Gabriel capitaneando el barco.

La primera sorpresa del disco es Momma Likes the Door Closed, una pieza más enfocada al punk, donde las influencias de Misfits o los ya mencionados Danzig son más que evidentes, pero también hay ciertos toques de heavy metal, con Colin Vranizan a la batería realizando blast beats o riffs más metálicos por parte de Sebastián Silva, mientras que Brandon Hill al bajo se vuelve pieza esencial. El tema más gamberro de su discografía que puedo escuchar una y otra vez sin cansarme.

Angel of the Night sirve para rebajar las revoluciones y brindarnos una pieza más relajada y atmosférica que logra impregnar con ese aroma onírico el ambiente coronado por el solo de Silva. Suicide Today también llama la atención por sus ligeros toques pop, siendo un corte más comercial, con esas vibras noventeras, dejando claro que Unto Others no tienen miedo a experimentar y no les tiembla la mano al incorporar toda clase de estilos.

Algo parecido ocurre con Sunshine, más ligera en su propuesta, donde está esa conjugación entre tristeza y optimismo que desprende la letra, con un estribillo tremendamente pegadizo y que es de esas canciones que cuesta quitarse de la cabeza una vez la asimilas.

La escueta Glass Slippers, con la guitarra desprendiendo un ambiente de misterio, da paso a Fame, donde se recuperan esas guitarras metaleras y el bajo sacando músculo, siendo una canción breve pero concisa y efectiva, que nos da a los Unto Others más canónicos. Por su parte When the Kids Get Caught tiene esa faceta más gótica, con la voz de Gabriel más marcada y grave y un excelente solo de Silva.

Otra sorpresa es Flatline, que es apenas poco más de un minuto nos da una descarga con influencias del black metal, con el tremolo en las guitarras y un agresivo blast beat a la batería. Otra de esas joyas que muestran la versatilidad de Unto Others, capaces de darnos diversos estilos dentro de su sonido.

Time Goes On es otro de esos oasis de calma contenida, con un estribillo facilón, coros llamativos y unas guitarras cristalinas que de vez en cuando se ven irrumpidas por momentos más metálicos. De esas canciones que con cada escucha, ganan puntos.

Cold World transmite esa oscuridad tanto en su letra como en la melancolía de las líneas vocales de Gabriel, con unas palmas en el estribillo que le dan un toque más distintivo y el solo de guitarra con influencias blues que me parece de los más trabajados del álbum. I Am The Light es quizás la canción más triste, con Gabriel interpretando de manera más teatral, que pese a su brevedad en cuanto al minutaje es interesante su propuesta.

Farewell... es otro interludio que sirve como introducción a Raigeki 雷撃 otra de las piezas a destacar de Never, Neverland, por tener esos rasgos que tanto diferencian a Unto Others, con otro buen estribillo, guitarras que se doblan en los momentos de más intensidad y uno de los mejores solos por parte de Silva que vas a encontrar en el disco.

Hoops nos atrapa desde el primer segundo con su melodía a la guitarra y nos quedamos por otras cosas como los coros, palmas, la batería haciendo uno de sus mejores trabajos del álbum... un tema instrumental que vuelve a dejar claro la calidad que la banda alberga, capaces de crear y componer piezas que funcionan tanto en solitario como en conjunto.

Cierran con la propia Never, Neverland, el tema más largo del disco, donde Unto Others ya van a lo seguro con su rock gótico, más calmado pero hipnotizante y atmosférico, donde la banda se encuentra en su zona de confort y no fallan. En la edición deluxe se incluye la versión de Pet Sematary de los Ramones, la cual les queda como anillo al dedo y pasan por su filtro, siendo una cover bastante acertada dentro de su estilo.

Con este tercer álbum Unto Others juegan a experimentar, saliéndose en algunas canciones de lo establecido anteriormente, pero que funciona, siendo su trabajo más completo e interesante de lo que hasta ahora han publicado. Tanto si ya eras seguidor de la banda como si es tu primera incursión en la banda, te lo recomiendo mucho. Seguro que Unto Others tras este disco van a subir como la espuma y no me extrañaría que dentro de nada estén un escalón por encima en popularidad. Bandas como estas escasean y cuando una de ellas da el campanazo, hay que aprovecharlo.

Discográfica: Century Media

 

Formación

• Gabriel Franco - Voz, guitarra
• Sebastián Silva - Guitarra
• Brandon Hill - Bajo
• Colin Vranizan - Batería

Tracklist

1. Butterfly
2. Momma Likes the Door Closed
3. Angel of the Night
4. Suicide Today
5. Sunshine
6. Glass Slippers
7. Fame
8. When the Kids Get Caught
9. Flatline
10. Time Goes On
11. Cold World
12. I Am the Light
13. Farewell...
14. Raigeki 雷撃
15. Hoops
16. Never, Neverland
17. Pet Sematary

 

Puntuación: 8.25/10

 

Lunage - Tales Of The Forgotten Lands

Tenemos ante nosotros el debut de Lunage, el proyecto musical de Miguel de Lys, divulgador en Youtube que en los últimos años ha ganado fama por sus vídeos donde desgrana canciones del heavy metal y su historia, además de otros productos culturales como cine, videojuegos o literatura. Además, es colaborador en la radio y ha escrito 2 novelas de temática histórica. En 2022 publicó un EP de este proyecto musical y ahora da el salto con su primer disco.

En este trabajo, titulado Tales Of The Forgotten Lands, Miguel de Lys da rienda suelta a sus influencias musicales, mezclando estilos como el power metal, el death metal melódico o el folk metal, que lejos de sonar a un batiburrillo, logra que se conjuguen de manera lógica y suene compacto, dándonos unas canciones donde predomina la melodía, mezcla de voces limpias y guturales y letras que logran transportarnos de lleno a las historias que nos cuentan.

La portada ha sido obra de David Mallo, con ese espíritu de las portadas de los 80 y principios de los 90 que logra resumir muy bien la filosofía del disco.

Decir que tanto letra como la música son obra del propio Miguel, pero que ha contado con diversos colaboradores para terminar de pulir el álbum. Manolo Parra, guitarrista de la banda Arendel ha sido el encargado de realizar arreglos y los solos, mientras que las voces han corrido a cargo del italiano Eric Castiglia, músico de sesión quien canta tanto las partes limpias como guturales. Por último de los arreglos celtas se ha encargado Ian Fontova.

Pasando al análisis de las canciones, el disco abre con Lord of the Wolves, un tema épico donde se nota esa combinación de power metal, con doble bombo y solo de guitarra acelerado y death metal de vertiente más melódica con esa aparición de la voz gutural y con una letra que aborda la figura del naturalista y divulgador Félix Rodríguez de la Fuente. Una primera toma de contacto que sirve para ver un poco la esencia del álbum.

Through the Realms of Death nos habla del mito de Orfeo y Eurídice, y es que al igual que en su canal de Youtube, las letras van a tratar de temas históricos, mitológicos o de la cultura popular, algo de lo que él es experto. En lo musical es más power metal, con esas influencias de Blind Guardian con guitarras que van dibujando melodías, un estribillo muy marcado, solo de guitarra ultra melódico y el doble bombo que va a estar presente durante toda la canción. Sin duda, el corte que más va a gustar a los seguidores de este género.

Black Wings baja ligeramente las revoluciones para acercarnos la triste historia de Ruyard Kipling, el autor de la novela El Libro de la Selva y su cruzada por encontrar a su hijo fallecido en la I Guerra Mundial, historia de la que os recomiendo que leáis. Es más oscura, atmosférica, donde las voces guturales ganan más presencia para aportar esa melancolía que se va arrastrando en toda la canción.

De ahí pasamos al power metal más acelerado con Fire and Blood, que se basa en las novelas de Canción de Hielo y Fuego del autor George R.R. Martin. Aquí es quizás donde mejor se puede encontrar ese equilibrio entre ambas voces, con otro estribillo fácil de corear y donde las guitarras cobran un mayor protagonismo, jugando a doblarse en ocasiones y ofrecernos otro gran solo. El trabajo de Manolo Parra y de Eric Castiglia aquí es sobresaliente.

The Winter's Call es posiblemente, mi pieza favorita del disco, donde musicalmente viran más hacia el death metal melódico y donde se aprecia una notable influencia de bandas como Amorphis o Tyr. La melodía inicial de guitarra es hipnotizante y el estribillo me parece uno de los mejores del disco, algo más ligero pero no por ello cargado de garra y donde se nos habla de un tema más personal en la vida del compositor del trabajo.

The Potion es un tema instrumental más enfocado al folk, con influencias y melodías celtas que sirve para evadirnos y dejarnos llevar por sus pasajes y atmósfera, donde los instrumentos tradicionales celtas toman las riendas, dejando guitarras y batería en un segundo plano.

Shadows in my Heart nos traslada en su letra al videojuego Baldur's Gate, donde en el apartado musical se puede apreciar mayor presencia de teclados y con el retorno del doble bombo y guitarras más machaconas. Tenemos otro estribillo pegadizo y un apartado musical más calmado con guitarras limpias y teclado hacia mitad de la canción que sirve para pillar impulso y darnos una segunda parte más power metal e intensa con un final frenético donde se llega a escuchar al propio Miguel narrar unas líneas de voz.

No abandonamos la temática de los videojuegos ya que Stormrage se centra en el personaje de mismo nombre del popular juego World of Warcraft. La inspiración en el power metal europeo es más que evidente, y la aparición de las voces guturales logran dar un giro, siendo en lo instrumental un corte más complejo en ciertos momentos, la melodía principal es bastante llamativa y en general otra de esas canciones a destacar del disco.

Over the Seas and the Mist retoma el folk con guitarra acústica acompañada de instrumentos celtas, dándonos una canción más relajada y que invita a cerrar los ojos y dejarnos llevar, totalmente alejada del terreno metálico pero que sirve como un pequeño oasis en el que parar a deleitarnos con esos pasajes instrumentales.

Halls of Gold rompe con lo anterior con un corte que en su melodía de guitarra me recuerda mucho a Ensiferum, con otro estribillo resultón y donde quizás, por las influencias, se echan en falta más momentos a la voz gutural, que harían que el tema fuera más potente y llamativo. La aparición de instrumentos folklóricos aumentan la intensidad junto a un pequeño interludio con guitarras acústicas que sirven de puente para regresar al estribillo. Otro de mis momentos favoritos del disco, más épico e intenso.

Para finalizar tenemos Wise Man's Fear, con la letra basada en la novela de mismo nombre, siendo además la canción de mayor duración del disco con más de ocho minutos y donde vamos a encontrarnos con todos los recursos que hemos ido viendo a lo largo del disco, desde momentos más melódicos con guitarras ofreciendo fraseos llamativos, estribillo que irrumpe con fuerza, pasajes instrumentales atmosféricos, un solo de guitarra que corta con lo anterior para darnos unos segundos más intensos, teclados y mayor presencia de arreglos sinfónicos... una amalgama de elementos que hacen de esta canción la más compleja del álbum y que sirve para dar cierre al trabajo que Miguel de Lys ha querido ofrecernos para mostrar sus inquietudes musicales.

En líneas generales Tales Of The Forgotten Lands es un trabajo que gustará a aquellos que sean seguidores de los estilos musicales ya mencionados y que si encima eres seguidor de su trabajo como divulgador, sabrás apreciar más el cariño que le ha puesto al disco. Merece la pena darle una oportunidad porque puede que con esto, vengan más entregas en el futuro.

 

Discográfica: Autoeditado

Tracklist

1. Lord of the Wolves
2. Through the Realms of Death
3. Black Wings
4. Fire and Blood
5. The Winter's Call
6. The Potion
7. Shadows in my Heart
8. Stormrage
9. Over the Sea and the Mist
10. Halls of Gold
11. Wise Man's Fear

 

Puntuación: 8/10